Author: shsfox

Xena, princesa guerrera

De nada Wonder Woman

 Fácilmente se podría caer en el término viejuno o peor aún, cultura pop, cuando se habla de referentes de los noventa. Olvidemos el purismo y la animadversión que series como “Stranger Things” provocaron hacía todo lo retro y aceptemos que es algo inherente a nuestras más profundas vivencias o si nos ponemos en modo Freud, inconsciente colectivo, el recordar, añorar o simplemente idolatrar determinados conceptos. Aquellos que fueron niños y adolescentes a mediados de esa década tan idealizada como estigmatizada como es la de los noventa, con el estreno de “Wonder Woman” y toda la oleada de empoderamiento de la mujer, sintieron que algo se reactivó en su cabeza, algo como: “Esto ya lo he visto yo antes”. En efecto, todo este movimiento de heroínas de acción que han coronado Patty Jenkins y Gal Gadot pero que llevaba goteando personajes desde hace décadas, comenzó con “Xena, La Princesa Guerrera”. Sólo que Xena, bueno, Xena tenía mucho más trasfondo que Diana de Themyscira.

Pero antes de contar la historia de “Xena, princesa guerrera”, seamos justos. Xena le debe todo a la Wonder Woman de William Moulton Marston, igual que la Wonder Woman de Gal Gadot es una heredera directa de Xena. El resto, como quien dice, es una historia digna de contar y estudiar.

1995, “Los vigilantes de la playa” (¿os suenan verdad?) arrasa en las televisiones de todo mundo a base de mostrar carne corriendo por la playa embutidos en unos minúsculos bañadores rojos. A principios del siglo XXI, la época ombliguista y dorada de la televisión, no se concibe algo así, pero entonces la televisión de calidad sobrevivía gracias a los frikis y sus series, el resto era eso, el resto.  En esto que Sam Raimi y Robert Tapert… ¿ni idea de quién son verdad? El primero debería sonaros aunque sea mínimamente si alguna vez os habéis considerados cinéfilos. Saltó a la fama con “El ejército de las tinieblas”, toda una peli de culto entre los más frikis del lugar. Después haría “Darkman”, y su momento álgido llegaría con la adaptación de “Spiderman” protagonizada por Tobey Maguire, ahora vilipendiada por todo el mundo. Hacemos un inciso aquí para decir que puestos a apalear un Spiderman, el de Marc Webb con Andrew Garfield tiene muchas más papeletas… Sigamos. Rob Tapert es el tapadillo, por decirlo de alguna manera, de esta asociación iniciada en el instituto por dos amigos que terminarían creando Renaissance Pictures junto al también amigo y actor Bruce Campbell, un habitual de la serie interpretando el personaje de Autolycus. Pero aquí el importante es Rob Tapert, más adelante explicaremos por qué.

John Schulian crea y Rob Tapert modelan una mala sexy, muy corta de ropa y moral. Mujer florero versión malota.

“Hércules”. Comenzó como un telefilm barato, como todo lo que sale de Raimi y Tapert, herederos del mejor Roger Corman. Rodado en Nueva Zelanda con Kevin Sorbo de protagonista. Funciona, no rompe los audímetros, pero da dinero, y deciden producir una serie que distribuirá Universal Televisión de forma sindicada. ¿Y qué es una serie sindicada? porque es importante para el devenir de estas series de bajo presupuesto. Ser serie sindicada significa que el producto se crea sin cadena de por medio, es decir, una productora o estudio, decide crear un piloto o una temporada y la vende a varias cadenas, generalmente canales temáticos, que la emiten y reemiten, muchas veces, pero muchas. ¿Os suenan CSI, Los Simpson o Big Bang Theory? Sindicadas ¿Que nadie te la compra? Te la comes. Pero también tienes toda la libertad del mundo para crear el producto que te de un poco la gana, ya lo venderás si puedes.

Se le puede llamar suerte, o coger una franja de público que nadie ocupaba de esa forma en 1995. Pero “Hércules y sus viajes legendarios” entraron por la puerta grande de la televisión y del público infantil con sus mamporros, dioses mitológicos y demás parafernalia fantasiosa. Rigor histórico, bueno, mitológico, cero… por ahí no busquéis que no encontraréis. La fórmula era sencilla a más no poder, Hércules, el héroe perfecto (y aburrido) va de aquí para allá con su colega Iolaus repartiendo justicia a base de golpetazos mientras la malvada Hera no deja de complicarle la vida. A los niños les volvía locos, todo un éxito. Esto de feminista no tiene nada, ni lo tendrá en el episodio nueve de la primera temporada donde conoceremos a “La Princesa Guerrera”. John Schulian crea y Rob Tapert modelan una mala sexy, muy corta de ropa y moral. Todo un estereotipo de femme fatal puesta ahí para entrometerse entre Hércules y Ioalus. Mujer florero versión malota.

No se sabe si fue eureka o una bombilla encenderse lo que a Tapert le sonó en el cerebro, o quizá fue la arrolladora presencia física de Lucy Lawless (con la cual se terminaría casando allá por la tercera temporada de Xena) con su 1,80 de altura, pelo moreno al viento y ojos azules transparentes. El caso es que Tapert tuvo la brillante idea de hacer una serie con esa malvada guerrera, a la cual Hércules deja escapar al final del episodio. Pero antes había que pasar el personaje al lado de los buenos… y se hicieron dos episodios más donde Hércules nos la vuelve buena además de Xena enamorarse del héroe mitológico… Y así nace “Xena la princesa guerrera” (1995). Rápido para no enfriar el recuerdo del personaje y con la intención de repetir la fórmula de la serie de la que nació a Xena le colocan una amiga bonachona y paletita de nombre Gabrielle interpretada por Renee O’Connor. Todo un derroche de originalidad.

La línea argumental de la serie será lo que comúnmente se conoce como el viaje del héroe popularizado por Joseph Campbell y que George Lucas elevaría a los altares populares con Luke Skywalker en “La Guerra de Las Galaxias”.

Seamos sinceros, “Xena” ni nació como elemento contracultural ni fue nunca su intención ser en sus inicios más que un mero entretenimiento infantil, o de adolescentes con ganas de ver chicas ligeras de ropa. Pero será en este total vacío de pretensiones y puede que de ideas, donde tres personas claves en el devenir de la serie le darán una forma y personalidad totalmente revolucionaria para la televisión. Por orden de importancia, R.J.Stewart, encargado del desarrollo argumental de la serie, Liz Friedman, guionista y productora, y Steven L. Sears, guionista y productor ejecutivo. ¿Y qué es eso tan revolucionario? No, no es la orientación sexual de sus protagonistas que tardaría algo más en desarrollarse. Visible desde su primera temporada, la línea argumental de la serie será lo que comúnmente se conoce como el viaje del héroe popularizado por Joseph Campbell y que George Lucas elevaría a los altares populares con Luke Skywalker en “La Guerra de Las Galaxias”. El mito en sí es muy sencillo y antiguo, ya que el primero en hablar de el fue Chrétien de Troyes en el “Cuento del Grial” allá por el siglo XII, texto que más tarde derivaría en el mito Artúrico por todos conocido. Se trata del viaje espiritual o de bautismo de un inocente joven que abandona su pueblo o tierra natal para perseguir lo que el destino le tiene reservado, y que no es otra cosa que convertirse en un guerrero de la luz y abrazar la sabiduría o verdad suprema. Lo interesante de esta propuesta visto en “Xena” no es que una guerrera con un pasado aterrador a sus espaldas, y que iremos descubriendo con el devenir de la serie, haga un camino de redención. Si no que esta mujer donde la luz y la oscuridad se debaten sin renunciar a ninguno de ambos lados, será la mentora del verdadero héroe que hará el viaje clásico que nos relatan los mitos. Gabrielle y su transformación será de lo más espectacular de la serie, de inocente amante del arte y la paz, a guerrera implacable al servicio de la luz. El clásico del Grial protagonizado por mujeres, aquí ya sí se empieza a hablar de manera diferente en mayúsculas.

Dura, valiente, desafiante, y llena de conflictos morales, el público empezó a asistir atónito a cómo una mujer salvaba a mujeres, niños y hombres, mientras apaleaba y mataba soldados a diestro y siniestro, pero, además, se pasaba episodio sí, episodio no, salvando a su compañera de fatigas, que hacía las veces de damisela en apuros hasta aproximadamente la cuarta temporada (después Gabrielle se transformaría en una rubia de pelo corto y cuerpo fibroso…). Nada de hombres salvadores a la vista. ¿Una mujer salvando damiselas en apuros? A la gente le empezó a rechinar mucho. No mentiríamos si decimos que era raro, por no decir excepcional o único en la televisión y el cine. Pero también lo era porque se vivía y aún se hace, en una sociedad profundamente machista y condicionada por unos cánones dictados por determinada visión masculina. Y esto era algo que “Xena” iba a saltarse y de qué manera.

La serie era muy dura de ver de cutre que era, pero era diferente y si había algo que sobresalía era la química entre las actrices principales que sin duda terminaría siendo el motor de la serie.

Tampoco vamos a pasarnos, la serie, sobre todo en su primera temporada es muy dura de ver… Cutre, hecha a base de remiendos que sobraban de “Hércules”, efectos especiales que parecían hechos con un ordenador Atari de los ochenta, Lucy Lawless luciendo un maquillaje imposible, peleas que harían sonrojar a cualquier luchador de Pressing Catch, y Renee O’Connor pisándose ese vestido de campesina infumable que le endosaron y que de forma incomprensible se convertiría en un top y una faldita… Muy dura de ver, pero era diferente, cutre, pero diferente, y si había algo que sobresalía era la química entre las actrices principales que sin duda terminaría siendo el motor de la serie. Y no esperéis ver a ninguna en una gala de los Oscars. Como tantos otros actores y actrices de serie míticas, se quedaron ahí, en la mítica que les encumbró a la fama.

No había redes sociales a finales de los noventa, pero estaba internet en sus albores, el sitio perfecto para soltar rumores y más rumores que hicieron que una serie que no se emitía en todo EEUU, destinada al público infantil y que apenas tenía audiencia, fuera el caldo de cultivo de comentarios sobre lo raro que era tener a una aguerrida guerrera, alta, morena y de ojos azules (la verdad es que Lucy Lawless resultaba impresionante físicamente), salvando continuamente a la inocente rubita de ojos verdes que era su amiga.  Conscientes de la rumorología se lanza un globo sonda en el episodio 19 de la primera temporada (constaba de 24) “Estados alterados de conciencia”. Donde aparte de toparse con el dios único de los israelitas e impedir el asesinato de Isaac (sí, tal cual), el hijo mayor del patriarca interpretado por el pluriempleado de la serie y ahora famoso Karl Urban (interpreta, entre otros muchos personajes, al doctor McCoy en el “Star Trek” de J.J.Abrams), arenga al pueblo contra Xena y Gabrielle por “ser dos mujeres que viajan solas diciendo que son amigas y ya sabemos lo que son en realidad…” En otra escena de ese mismo episodio, una Gabrielle drogada al ver a Xena le comenta lo guapísima que es… A día de hoy seguramente no veamos la polémica, pero entonces funcionó para generar ruido. Quizá no era lo que esperaban Tapert y Raimi cuando Xena empezó su andadura, pero se encontraron con una base de fans solida que nadie más tenía. “Liberales y lesbianas”, es como solían tildar los sectores más conservadores de EEUU al público de la serie, a la cual no tardarían en declararle la guerra. Su franja demográfica subió de los 14 años a 18-24 y terminaría en los 35 años, cambiando sus emisiones de la mañana donde se emitía a las tardes.

A esto se le llamó subtexto y si entonces hubiera habido redes sociales habrían sido trending topic por cada episodio, pero como sólo estaba internet, se montaban unos debates imposibles analizando cada mirada, cada frase, cada te quiero que se decían (y lo hacían mucho), cada baño que se daban juntas, cada referencia a pescar y comer pescado (sí, de locos). La segunda temporada alcanzó los 7,7 millones de audiencia con “La Búsqueda” donde supuestamente se besan, aunque lo hacen con Xena en el cuerpo de un hombre, Autolycus (muy crazy todo). Pero con (o gracias a) todas esas polémicas, subtextos y dudas sobre la naturaleza de la relación de las protagonistas, superó a “Hércules” en audiencia. Las webs dedicadas a la serie crecían como setas, en Latinoamérica se convirtió en un fenómeno de masas y en España, el periódico El País, sacó un artículo en la sección de televisión explicando qué era el subtexto.

A mediados de los noventa, sólo Xena estaba ahí, rechazando a todos los hombres que le aparecían, renegando del matrimonio, riéndose de la virginidad, quedándose embarazada por obra de un ángel y formando junto a Gabrielle un núcleo familiar.

¿Pero eran o no eran pareja? Los responsables de la serie siempre negaron cualquier línea argumental dirigida, y se limitaban a decir que eran amigas y que cada uno interpretaba lo que quería. La verdad es que cachondos e inteligentes eran un rato. Cualquiera que vea “Xena” puede notar fácilmente que a partir de la segunda temporada la dinámica entre las protagonistas se vuelve romántica como poco. Pero también es cierto que mucho del atractivo de la serie radicaba en ese “sí, pero no” de la relación, en los equívocos, en las indirectas, en las bromas que se gastaban. La comunidad gay y núcleo duro de seguidores de la serie, nunca sé sintió ofendida porque no sacaran del armario a Xena y Gabrielle. Bueno, “sacar”, lo único que les faltaba por hacer era que se besaran o tuvieran sexo… porque lo demás ya lo hacían todo como una pareja. Pero ese mismo núcleo era muy consciente que si eso ocurría (lo de salir del armario) podría hacer que “Xena” llegara a su fin, tal como le ocurrió a Ellen Degeneres y su serie en la cadena ABC en 1997. Ellen Degeneres en un episodio de la cuarta temporada hizo que su personaje (basado en sí misma) admitiera su homosexualidad. ABC, propiedad de Disney, canceló la serie al año siguiente debido a las múltiples quejas que recibió por su contenido “abiertamente gay…” Las series en abierto no querían despertar las iras de los sectores conservadores, recordemos que “L World”, serie que abordaba sin ningún tapujo las relaciones entre mujeres, es del 2004 además de ser producida por la cadena de pago HBO. Pero daba igual, “Xena” estaba en boca de todo el mundo, y el subtexto para estos sectores tan reaccionarios era directamente texto, y la tomaron con la serie. Cosa que habría que agradecerles, porque llevaron a “Xena” si no a salir del armario (¿hacía falta?), sí volverse muchísimo más adulta en sus contenidos y argumentos haciendo que todo su público a partir de la cuarta temporada, fueran, frikis, mujeres y gays. La panacea para una serie de televisión. La convirtieron en el primer icono gay protagonista visto en un héroe de acción (ni el secundario, ni el gracioso, ni el que se muere de SIDA.) y de paso le dieron un lugar en la historia.

Revolucionaria era y es un rato, y eso es lo importante. Que dos mujeres protagonizaran una serie en la cual rigen sus destinos además de ejercer de héroes y salvar al mundo era cuando menos revolucionario. Porque después vendrían las Buffy (Joss Whedon era un gran fan de Xena), Alias, Dark Angel y demás series con mujeres haciendo justicia sin hombres que las salven. Pero a mediados de los noventa, sólo Xena estaba ahí, rechazando a todos los hombres que le aparecían, renegando del matrimonio, riéndose de la virginidad, quedándose embarazada por obra de un ángel (el equivalente a la fecundación in vitro de la mitología y la religión) y formando junto a Gabrielle un núcleo familiar.

Xena rizaba el rizo de forma imposible, y a veces genial, lo mismo te unía la caída de los dioses del olimpo con el ascenso del cristianismo y el nacimiento de la hija de Xena, Eva (la in vitro). Que enseñaba cómo Xena y Gabrielle promovieron esta misma religión (el cristianismo) al encontrarse a un tipo de nombre Eli (muy, pero muy parecido a Jesús) en la India haciendo trucos de magia, y al cual le descubren su verdadera vocación de iluminar al mundo. Muy ridículo o puede que muy genial si uno piensa que en la región de Cachemira existe una tumba donde dicen que Jesús vivió y murió (esto es verídico). Innovó tanto que suyo es el primer episodio enteramente musical en una serie de ficción de la televisión. “Una Suite Amarga”, dedicado a la simbología del Tarot y donde Lucy Lawless se destapa como una cantante espectacular. Y no nos podemos olvidar de esa joya de la química interpretativa que es “Un día cualquiera”. “Xena” era una caja de sorpresas, de fantasía, profundamente espiritual, con un mensaje claro y contundente que una vez lo encontraron y supieron dirigirlo, no dudaron en mantenerlo y amplificarlo hasta el final.

El final… No nos consta si aún persiguen a Rob Tapert las hordas de fans (especialmente las lesbianas) de la serie por “Friend in a Need” (2001). A ver, el final es duro, bastante la verdad, (atención spoiler) la muerte de Xena fue un shock. Suponemos que todas esperaban un final con las dos heroínas besándose y caminando hacia la puesta de sol. Y casi, sólo que Gabrielle lo hace con el fantasma de Xena, muerta de forma bastante violenta, quizá hasta sádica, por un ejército de samuráis. La comunidad que había elevado la serie a los altares se enfadó y mucho, tildando a Tapert, responsable directo de los dos episodios finales y del final de la serie, de homófobo y misógino. Sí, el final es un golpe seco en la boca del estómago, o del corazón. Una putada de final vamos, sobre todo cuando te has encariñado con las protagonistas, cosa que es muy fácil de hacer, pero también debemos considerar que el final de “Xena, princesa guerrera” es de los más coherentes, y brillantes que se han visto en televisión. La guerrera que comenzó su camino por la espada, se redime por la espada no sin antes hacer de su aprendiz (y pareja) una maestra. Poco más se puede añadir a una serie que los críticos adoraban por su descaro y surrealismo, que TV Guide considera entre las mejores de la historia de la televisión, una serie que consigue aprobar con un sobresaliente el Test de Bechdel. Una serie genial.

Fuck the funnel

El Funnel de la mediocridad

Un profesional en esto de crear, o simplemente uno de esos que considera que su trabajo no deber ser de 9 a 7 o de 8 a 17:30 calentando la silla y haciendo estrictamente lo que se le dice, aunque sean soberanas estupideces, se dispone a contarme, o más bien desahogarse, el porqué de la inmovilidad y falta de ideas en las empresas españolas. No vamos a dar su nombre para evitar posibles represalias de las que se producen en nuestros tiempos, sí, el franquismo sigue vivito y coleando en el corazón empresarial español.  Me comenta que: “Pensar que el empleado que genera una iniciativa o un equipo que desarrolla una idea, es responsable de lo que aparece finalmente ante el público o como le llaman ahora, usuario, es una ingenuidad.”

Primero porque los proyectos los encarga una empresa o CEO (Chief Executive Officer), sí, esas personas de sueldos astronómicos, y… y ya está. En base a un rumor o un chivatazo de otro CEO acerca de lo que otro tercer CEO o empresa está desarrollando y que va a ser “un pelotazo o Startup”. La palabra de moda que todos quieren copiar o desarrollar, Facebook lo fue, Google, Netflix, Apple, Microsoft… Si uno lo piensa, todos fueron startups, ¿y?, y nada, copiar, copiar y copiar que diría Luis Aragonés si fuera CEO. Por supuesto siempre, siempre, van a desechar las ideas internas de su propio equipo, porque de lo que se trata no es de ser el primero o innovador, “esta palabra les asusta tanto que puedes acabar despedido si la usas”, sino de copiar lo que hace otro para asegurar, a veces la misma basura, pero “seamos todos la misma basura”, que “no es lo mismo fracasar uno mismo que lo hagan todos, fracasemos todos mejor.” Entonces, el CEO se lo transmite al COO (Chief Operating Officer), éste al CIO o CTO (Chief Information Officer o Chief Technology Officer) que hace lo propio con el gestor de proyectos ,Project Manager o Team Leader (que así gustan de llamarlos ahora). Cuando ya por fin llegamos a alguien que hace algo y no se le resume en siglas, le explica como puede y sabe la idea al equipo que va a realizar ese proyecto. Para entonces si la idea era ya cuestionable en su inicio, después de pasar por interminables burocracias, de las analógicas (reuniones en sala o call conference), o de las digitales (metodologías ágiles), es algo sin pies ni cabeza.
“Pensemos un momento”, me dice no sin cierta desesperación este profesional. “Todos los grandes referentes de la tecnología o creadores que han hecho avanzar la sociedad con sus ideas. Lo fueron al margen de la burocracia de la industria, dos o tres, quizá un grupo de no más de diez personas pensando, colaborando y trabajando directamente en ello.”
Le comento que tengo la sensación que la burocracia del siglo XIX y principios del XX, que tan amenazada se sintió por la tecnología, y su manera casi mágica de crear cosas, al final consiguió atraparla con su manto gris.

“Es cierto. Ya no existe la creación, sólo la metodología que explica que A debe llegar a B en un tiempo determinado. Y cincuenta personas implementando cómo debe llegar, pero sin que nadie sepa o quiera saber cómo se mueven de un punto a otro.

Con cierta ironía le comento que uno de mis comics favoritos era “Las doce pruebas de Asterix”. En él, nuestro pequeño galo y su amigo Obelix debían en la novena prueba sobrevivir a la burocracia romana intentando conseguir el pase A38. Era la única prueba que no me hacía gracia, me daba miedo, mucho, pues contaba cómo la gente acababa loca intentando seguir las normas en ese edificio gestionado a base de formularios.

Aun así, en este país, aunque no lo parezca hay grandísimos profesionales que huyen de la locura sistémica empresarial, y consiguen dar sentido a esa amalgama pajillera salida de una de esas comidas-reuniones, o lo que es aún peor, un evento de marketing. Pero la cosa no termina aquí, cuando el equipo lo tiene más o menos encauzado, entra en escena un analista en nómina de la empresa, un chico o chica que por edad o (falta de) talento y/o suerte no ha conseguido que le paguen por desarrollar sus ideas, y se dedica a aplicar al proyecto fórmulas aprendidas en manuales, charlas TED y varios MBA pagados por sus padres.

“Te jode profundamente, es así, pero no puedes decir ni mú, el chico/a es sobrino de… o amigo de la universidad de uno de tus Project Manager o CTO.”

Entran en juego los directivos, a los cuales se les presenta el proyecto, que carecen de conocimientos elementales del trabajo que desarrollan sus empleados, y quién sabe incluso si de lo que es un trabajo en sí mismo. Como el proyecto lo avaló el CEO de la empresa, “todos quieren echar su meada en él, marcarlo”. Quitan del proyecto precisamente aquello que lo hacía diferente a todo lo que había en el mercado y que tanto se había esforzado en buscar el equipo. “Siempre está el momento en el que uno de ellos dice, por ejemplo, si nuestra empresa se caracteriza por el color rojo en su logotipo y nuestro competidor el verde, alguno dirá que todo debería ser ‘verde esperanza’ porque así se venderá mejor…”

Hay más. Una vez que han puesto todo “verde esperanza”, entra en juego un departamento de desarrollo o de producto, que es como el analista interno, pero con más poder, ya que es una empresa externa ligada a uno de los directivos. Cobran por horas y proyectos, están dispuestos a engordar esto hasta llevarse lo suyo y lo demás.

“Sí, en su día expusiste que se reduciría costes y sería más efectivo que se desarrollara internamente. Sí, casi te despiden de nuevo.”

La empresa de desarrollo lo cambia todo con el beneplácito de los directivos que siguen opinando y opinando hasta que se apliquen todas sus ideas, por supuesto la empresa externa dirá que sí a todo, “tu decías no a sus opiniones / desvaríos, de nuevo casi a la calle otra vez.” Poco o nada le importa a esa empresa el ridículo total en que acabará el proyecto, lo va a cobrar con creces, satisfará todas y cada una de las peticiones de los directivos que como no tienen otra cosa que hacer que opinar, lo alargarán indefinidamente. Y con el proyecto ya parido, “lo mirarás con una mezcla de pena, asco y rabia, gritando a quién quiera escucharte que ‘eso’ no lo habéis hecho vosotros.” Tanto da, si funciona desde luego que no lo habréis hecho, si fracasa, no entendéis la filosofía que ha llevado a la empresa al éxito. “En realidad te preguntas cómo puede seguir en pie con esos dirigentes, y tu puesto de trabajo será ocupado por alguien que lo entienda.” La oportunidad del sobrino/a – amigo/a sin duda ha llegado.

Faltan pasos intermedios que no os he trasladado, como las opiniones de la dirección comercial o marketing. Esos profesionales que conoceréis por su lista interminables de MBA, además de presumir de haber visto las siete temporadas de “Mad Men”, y de entender “Black Mirror”. Aunque sus criterios no coincidan con la de los directivos, “Hace falta algo original, apostemos por la innovación y renovación, la sociedad está cambiado y nos quedamos antiguos. Te dicen, luego te los encuentras ante la dirección diciendo que lo que funciona no hay que tocarlo.” A punto estoy de darle un abrazo de lo abatido que lo veo, pero lo mismo contribuyo a deprimirle más. Simplemente le miro. “Bueno, y ya ni te hablo de los Social Media.” Cierto, muchos de vosotros no los sufriréis directamente porque la mayoría dan servicios de consultoría a través de empresas externas. Pero si están en plantilla, generalmente empotrados en los departamentos de comunicación o digitales… respirar hondo. “Terminas hablando con chavales que su máximo recorrido profesional ha sido enseñarle a su padre, abuelo o tío cómo funciona Facebook e Instagram.” Venga, no exageres, le digo. Su mirada casi me fulmina y dejo el tema.

         Este profesional del que os hablo, de siglas J.A. (por decir algo) era verdaderamente brillante, entendía por trabajo el mejorarse a sí mismo profesionalmente y por extensión la empresa en la que desarrollaba su actividad. Nunca buscó arrimarse al poder, ni la risa fácil del poderoso para sacar sus ideas adelante, pero el talento es tan difícil de aplacar como de encontrar.  Realizó muchas de esas ideas, otras se las pisaron para que no destacara demasiado, y la más importante, aquella que suponía un cambio en la empresa, recibió un: “no es el momento, quizá más adelante…” Meses más tarde, el proyecto fue encargado a una empresa externa por el jefe al que expuso la idea. Se enteró cuando todo estaba muy avanzado a través de un compañero de otro departamento. Se le acercó un día y le dijo: “Siento que hayan parado el proyecto estrella de tu departamento por falta de dinero”. Su cara de asombro le llevó a que le explicara ese proyecto estrella, la explicación le llevó a enterarse que era su idea.

Girls

Con amigas así…

Qué mal me caía Lena Duham. Esa especie de nueva criatura artística elevada a los altares del modernismo, tan “so high” o “fav”, que opinadores, críticos o influencers, habían decido por que sí, que había que adorarla, seguirla en Twitter o en su blog feminista, y por supuesto ver su serie/debut de referencia desde el primer episodio. Girls (de la HBO of course), y aquí hago un inciso para todos esos followers tan faltos en general de todo, ¿habéis visto su corto “The Fountain” o su debut cinematográfico “Tiny Furniture”? Porque son los verdaderos precursores, o semilla, de lo que sería Girls.

Perdonad si hago un Pérez-Reverte pero no puedo con los gilipollas, me explico, son todos aquellos con ínfulas de abrazar cualquier cosa diferente, provocativa y a contra corriente, per se. Lena Duham era el perfecto ejemplo. La abanderada de ese movimiento con síndrome de diógenes llamado hípster. El siguiente paso inevitable de la gilipollez inaugurada con Zoey Deschanel y su Manic Pixie Dream Girl. Supongo que la rarita soy yo sin quererlo, y sin llevar ropa de los ochenta, porque hasta que no veo una serie no opino, ni elevo a nadie a ningún sitio. Quizá empiezo a ser muy old fashion como el Ray de la serie.

Un día tonto y seguramente depresivo, un día muy Hannah. Sin quererlo me hice un maratón de Girls en Movistar series. No era mi intención, pero mientras andaba por la casa limpiando dejé la televisión de fondo con la serie. Creo que era la quinta temporada, y al tercer episodio, estaba sentada viéndolo en versión original (indispensable en mi opinión). Paré, y por la tarde me puse a verla desde el principio.

Yo que soy tan cinéfila enseguida me percaté de un nombre, Judd Apatow. El hombre de moda en la comedia americana de principios de los 2000. El inventor de la nueva comedia, el de “Virgen a los 40”, “Supersalidos” o “Lío embarazoso”. Películas con las cuales también le llegó la etiqueta de creador de personajes inmaduros y “peterpanescos”, pero sobre todo, de misógino… por el tratamiento plano y superficial, que tenían las mujeres en sus películas.  ¿Gracioso no? Resulta que ese hombre fue el impulsor de Girls, la serie más feminista que se haya podido ver, y se verá en televisión.

Las apariencias engañan, ni Judd Apatow hacía comedias groseras y vacías de contenido (de las que soy muy fan por cierto, en especial “Supersalidos”), ni Lena Duham era un producto creado en las redes sociales. La brillantez de ambos es tan evidente cuando uno observa su trabajo, que lo mejor que podría hacer es callarme en lugar de intentar describirlo. Me falta la tercera pata de este perfecto taburete donde se asienta Girls, Jenni Konner, la encargada de pulir ese diamante en bruto que es Lena Duham.

Si no te gusta, no mires. Así es Girls, y por eso levantó tantas ampollas en esa enfermedad social llamada machismo. La ristra de insultos que Lena Duham acumulaba en redes sociales después de cada capítulo, es para escribir una serie aparte, o una tesis psicológica. Descarada, provocativa, realista a más no poder, graciosa, tierna, sucia, cínica e irónica. Nos muestra la vida de cuatro niñatas insufribles que intentan ser algo que ni siquiera saben qué es. La vida filmada sin retoques de maquillaje, las inseguridades escupidas a la cara, el sexo torpe y egoísta del día a día, la amistad agarrándose a un salvavidas que pierde aire.

Cuando una serie es brillante, los momentos son tantos y variados, que resulta imposible distinguir uno. Así es Girls. Intento de verdad hacer una excepción y elegir…: ¿“Pánico en Central Park” de la quinta temporada? ¿O cuando Jessa y Adam follan (en Girls no se hace el amor) después de destrozar la casa tras una bronca antológica? ¿Cualquier momento desinhibido de Hannah enseñando su cuerpo? ¿Shossana de dominatrix en Japón? ¿Quizá Ray declarándose a Marnie? ¿Elijah contemplando New York desde el lujoso ático de su novio famoso? No, ya lo tengo, el monologo de Hannah sobre Jessa y Adam en el último episodio de la quinta temporada, con “Can’t take my eyes off you” cerrando los créditos.

Girls perdurará en el tiempo de una forma que nadie aún sospecha, y que solo veremos cuando afortunadamente (no me decepcionéis chicas), la generación de Lena Duham se haga con las riendas de este mundo.

The Good Wife

Feminismo de despacho

En esta época dorada de la televisión que disfrutamos, creada y alimentada por todos esos refugiados y outsiders a los que el cine negaba dinero y oportunidades. Bien vale parar un poco y dejar de besar el suelo de toda serie que se precie de cuidar hasta el más mínimo detalle su estética, banda sonora, guiones de una transcendencia metafísica, y personajes éticamente al límite creados por y para generar una moda.

¿Procedimental o serializada? Era la gran pregunta que en los albores de la primera era dorada de la televisión que empezó a cambiarlo todo (los años noventa), nos preguntábamos los frikis que consumíamos: Expediente X, Twin Peaks, Buffy Cazavampiros, Xena La Princesa Guerrera, Urgencias, El Ala Oeste de la Casa Blanca, Ally McBeal, Policias de New York, y unas cuantas más. ¿Los Soprano y Lost? Tranquilos, esas ya son de principios de siglo, donde aún la televisión era terreno de los que disfrutaban una serie viéndola, y no siendo el primero en recomendarla. Antes que las modas, los intelectuales de postín y los influencers nos dijeran qué ver y por qué. Y si no lo haces, eres una especie de apestado social. Que sí, que sí, que lo que vemos ahora en la caja tonta es de tanta calidad que el que es tonto ahora es su hermano mayor, la pantalla grande. Es así, y lo dice alguien que jamás osó llamar tonta a esa caja que siempre me proporcionó entretenimiento y cultura de un nivel más que aceptable.

“The Good Wife” cargó durante sus siete temporadas con el orgullo y también el desprecio de ser heredera directa de esas series de los noventa. Su mejor arma, mezclar los estilos procedimentales y serializados entorno a sus personajes y tramas. De manual. Para colmo, por seguir siendo tradicional, sus temporadas, siete en total, constaban de los clásicos 22/24 episodios, y encima, encima, se emitía en una cadena generalista en Estados Unidos, la CBS. Nadie te recomendaba “The Good Wife”, era buena, entretenida, pero ya sabes… no es “Mad Men” o “Juegos de Tronos”, “The Walking Dead” o ese tótem llamado “Breaking Bad”. Es una serie de abogados y en todos sus episodios hay un juicio. Menudo coñazo.

Levanto la mano. Fui una de las que despreció el devenir de Alicia Florrick (Julianna Margulies, la Carol de “Urgencias”). Una mujer de lo más anodina, esposa, madre, cornuda y atada al devenir de su marido, Peter (Chris Noth, el Mr. Big de “Sexo en New York”), fiscal, gobernador, corrupto, manipulador y mujeriego. Hace poco decidí verla, del tirón, como se ven las series ahora. Me dije, una serie producida por ese “dios” del arte cinematográfico que es Ridley Scott y su hermano Tony (fallecido en 2012), tiene que tener algo más que juicios y rollos sentimentales. Y vaya que si lo tiene. “The Good Wife” es un golpe en la mesa del feminismo de la mujer de toda la vida, aquella que entregó su vida a una causa con nombre de varón, y un día se ve avocada a hacer de ese eslogan de “nunca es tarde”, una obligación. A pesar que no dejan de recordarle en la primera temporada y parte de la segunda, que bueno, ya sabes: “eres madre, esposa, nunca has trabajado… eres algo mayor, mejor en tu casa.”

Y ahí es donde la serie destapa el frasco de las esencias para ser revolucionaria en su tratamiento tan clásico. Protagonizada por mujeres mayores para los estándares televisivos, y parece ser que para la vida también. Los creadores y matrimonio formado por Michelle y Robert King recorren la sociedad de arriba abajo para tratar todos los temas habidos y por haber, racismo, pena de muerta, sexo, espionaje gubernamental, corrupción, elecciones, crisis financiera, paro, y cualquier discriminación existente, su imaginación en este punto no tenía límites. Todo a través de una mujer que la sociedad bien pensante quería dejar en la cuneta, y a base de creer en si misma (con la inestimable ayudita de ese Will Garnett interpretado por Josh Charles) se transforma en todo un animal político de recursos ilimitados.

No me cae bien Alicia, para qué mentir, soy más de Diane (la elegancia se llama Christine Baranski), del grandioso Eli Gold interpretado por ese camaleón llamado Alan Cumming, y de una lista de secundarios que solo tienen las grandes series. Supongo que por eso no me escandalizó su final, ni me rasgué las vestiduras en ese traumático episodio, para la gran mayoría de los fans, de la quinta temporada. Todo encaja a la perfección en el desarrollo personal y social de esa mujer inteligente, fuerte, infeliz, luchadora, idealista y cínica, llamada Alicia Florrick.

Californication

El Sobreamor

Es la primera conclusión e idea que se me pasa por la cabeza al recordar la famosa y excesiva serie Californication. Detrás de Hank Moody, un escritor atormentado, se aprecia el verdadero amor. Escondido en un personaje con miedo a madurar, David Duchovny representa a la perfección (qué lejos nos queda ya Mulder) la pesadumbre que siente al no poder compartir su vida con la que fue su mujer Karen. Ahogado en una espiral de drogas y alcohol, encuentra en el refugio del sexo una forma aún más dañina de intentar paliar la ausencia de su amor. Sí, así de contradictorio y a la vez tan poco glorificante.

Después de pasar por las piernas de casi todas las mujeres de Venice y alrededores (no es una exageración), Hank Moody y su amigo y representante Charlie Runkle, se entregan al sexo con todas las extravagancias que eso puede conllevar. Cualquier lugar público es apto para mantener relaciones sexuales, la edad no es ningún inconveniente, los tríos son algo más que una fantasía, la facilidad con la que se llega al sexo a través de un simple coqueteo es aberrante…y todo eso con el amor por Karen como trasfondo. O como fin.

No existe una persona más enamorada en el mundo que Hank Moody. Si quieren ver que significa el amor solo tienen que seguir el pensamiento de un escritor ahogado en alcohol e ingresado en una clínica de desintoxicación por su incesante juego con las drogas. No es el amor que Hollywood promovería de hecho, su confrontación con la industria es otro de los leitmotiv de la serie, porque es lo más autodestructivo que una persona puede padecer. Pero les aseguro que es amor. Un amor eterno. Una sensación de agobio por no verse realizado te angustia durante toda la serie. A veces se atisba a pensar que Karen también siente lo mismo por Hank, pero al ser tan difícil empatizar con ella nunca sabes lo que realmente siente. Paradójicamente acaban juntos (sí, en este caso si hay un símil con el Hollywood más clásico). ¿La mirada triste y negra que tiene durante todos los episodios Hank Moody dejará paso a una felicidad absoluta?

No sabemos la respuesta.  Pero si sabemos hacía donde se dirige en estos momentos Hank Moody. Después de convertir el sexo en un hábito con su inseparable silueta. Una camiseta negra, rock and roll sonando de fondo y un pitillo encendido mientras el Porsche 911 con el faro roto atraviesa las carreteras de California en una sola dirección: Buscar el amor de Karen.

The Fall

The Fall

No me gusta recomendar series, de verdad que no, pero haré una excepción, una de muchas, posiblemente demasiadas. “The Fall” (La Caza en castellano) está compuesta por tres temporadas, un total de diecisiete episodios, y es una co-producción de Artists Studio y BBC Northern Ireland. Dato éste en el que hacer hincapié, ya que la serie se encuadra en un sitio tan diferente para el gran público televisivo como Irlanda del Norte. Lo cual no sé si por extrañeza o desconocimiento del día a día en ese país, da a la serie un realismo muy logrado.

Protagonizada de forma brillante por Gillian Anderson (la mítica Scully) y Jamie Dornan (sí, Chrisitian Grey…) antes que todo el mundo se le echara encima por protagonizar el best seller llamado “Cincuenta Sombras de Grey”. En su defensa diré que obviéis este tropiezo mainstream, pues Jamie Dornan es un actor correcto tirando por lo bajo, y bastante bueno si lo juzgamos sin fobias. En la serie lo demuestra con creces.

Esta ficción televisiva nos relata la persecución de un asesino en serie (Jamie Dornan) que se aleja de todos los estereotipos que hayáis podido ver en el cine y la televisión. Amable, atractivo, comprensivo y padre de familia, perseguido por la detective Stella Gibson (Gillian Anderson), fría, dominante, y carente de toda empatía. Sin buscar artificios gratuitos, la serie presenta a los personajes sin concesiones para que el espectador decida qué es cada uno de ellos para nosotros. Puede que ninguno nos caiga simpático, desde el elenco al completo de policías hasta las víctimas, e incluso que desees, si eres un hombre cortado por un patrón machista, que el personaje de Dornan se despeñe por una colina antes que sea atrapado por esa prepotente de la detective Gibson, que se dedica a pisotear de forma sistemática el ego de todos los hombres que se cruzan en su camino.

Porque por encima de todo el entramado argumental de la serie, se eleva de forma brutalmente silencioso, un mensaje que no tacharía de feminista, que puede, sino de tragedia histórica y hasta de revolución. Una especie de V de Vendetta femenino. Describirlo es complicado, ya que engloba desde la detective Gibson en toda su esencia, hasta el comportamiento social del resto de los hombres que la rodean, desde el depredador sexual que encarna Dornan hasta sus compañeros de trabajo y superiores, que cuando no la están atacando físicamente, lo hacen socialmente.

Creo que lo que mejor explica el mensaje que lleva impreso la serie de forma tan brutal es una frase que le dice la detective Gibson a su jefe y ex-amante, justo después que éste borracho intentara sobrepasarse con ella. Comienza con él preguntándola: “¿Por qué las mujeres son más fuertes emocional y espiritualmente?” A lo que ella responde: “Porque la forma básica humana es femenina. La masculinidad es… un tipo de defecto de nacimiento”.

No, la serie no está escrita por una mujer feminista que odia a los hombres, etc, etc… Está escrita, producida y dirigida por Allan Cubitt.

Luis Enrique

La sin razón de Luis Enrique

Odiado por muchos y amado por… por pocos. Muy pocos para ser sinceros. Luis Enrique destila una imagen demasiado agria, y él se vanagloria de ello. No verás al todavía técnico del FC Barcelona protagonizando un anuncio de navidad o en un programa de televisión enseñando su faceta más cómica. Principalmente porque no la tiene. Pero eso no es óbice para que la prensa, el aficionado medio del fútbol y parte de la sociedad de este país, le tenga tanta antipatía. Es difícil caer simpático cuando uno es arisco, pasota, anodino e incluso huraño.

 Eso sí, atacar a Luis Enrique ante cualquier enjuiciamiento por menor que parezca da la sensación de reconocimiento ante la sociedad. Hace veinte años que el asturiano decidió cambiar su camiseta blanca por una blaugrana. Veinte años después muchos periodistas siguen al acecho esperando un paso en falso del técnico para cobrarse antiguas deudas. Deudas provenientes con su entusiasmo por un equipo. Periodistas incapaces de alabar la consecución de una Champions o una Liga, por el mero hecho de ser del equipo contrario. Ya lo sé, que vosotros tampoco reconocéis a esos “seres” como periodistas, más bien como artífices de un circo en donde ellos terminan la función con las risas de los más pequeños.

 Todo el mundo se ve capacitado para menospreciar lo conseguido por Luis Enrique. Como no cae bien, el discurso feroz hacía su trabajo está mejor visto que si esa misma alocución se refiriese a su compañero y rival Zidane. La sonrisa del francés hace aún más antipático a Luis Enrique. Eso y que Zizou quedó en la retina de todos los amantes del fútbol con sus controles orientados, sus pases y la elegancia con la que disfrutaba con el balón. Luis Enrique no. Da igual quién gane o pierda a final de temporada, las filias y fobias que provocan ambos repercutirán en la crítica. Es así, no lo he inventado yo.

 Luego podéis hacer una pequeña reflexión acerca del trabajo de Luis Enrique a los mandos del FC Barcelona. Llegaréis a la conclusión casi sin daros cuenta que pocos están tan cerca de ganar tanto en tan poco tiempo. Cambió la forma de jugar, la evolución no fue tan preciosista pero sí efectiva. No sacó los pies del tiesto en ninguna ocasión. Su fuerte carácter solo fue expuesto en lo cortante de sus respuestas para esa prensa circense de la que antes hablábamos. Con Messi tuvo un conato de enfrentamiento pero supo ver que a esa guerra iría desarmado, a diferencia de los misiles nucleares con los que contaba el argentino. Luis Enrique abandonará su cargo como técnico del FC Barcelona sin que nadie le quiera de verdad, solo un sector del barcelonismo llenó sus corazones con el entrenador asturiano. La pena para Luis Enrique es que ese amor no provino de sus dotes en el banquillo. A Luis Enrique lo quieren y lo odian por un fichaje de hace veinte años.  Algo bastante irracional incluso en el mundo polarizado del fútbol donde sólo cuenta el triunfo. Aunque del todo lógico si uno mira la sociedad que nos rodea.

Fútbol

Fútbol Esquicio

Últimamente cuando oigo ¡Gol! Me siento como un auténtico perro de Paulov y me pongo a pensar que…

Por fin pones un pie en casa. El día ha sido largo, agotador, un tanto aburrido también. Mientras te preparas la cena, enciendes la televisión y escuchas distraídamente qué ha pasado a tu alrededor mientras estabas metido en la oficina.

Las noticias no son alentadoras, qué novedad. Dos ex-ministros imputados por delito de corrupción, inundaciones al sur de Tailandia, ataque terrorista frustrado en Francia, política exterior barata por parte de ese líder mundial del que tanto se habla y una mujer asesinada por su ex-marido. Luego una breve despedida antes de dar inicio a los deportes. Bueno, al fútbol.

El panorama en el que das comienzo a tu cena es ideal. ¿Dónde diablos está el mando? Cuando te das cuenta, tu pareja ya se ha apoderado de él y escucha atentamente lo que cuenta el presentador: al parecer, dos jugadores de los principales equipos de la liga, se han insultado a través de redes sociales.

Con los primeros bocados de la cena ya te sientes ciertamente lleno. Tu pareja cambia de canal y se decide por los deportes de otra cadena, bastante similares a los de la anterior. Ahora un poco de baloncesto, menos mal. Te alegras de no haber sido seguidor de un deporte como la natación o el rugby.

Aunque la cena es ligera, empiezas a recordar, sin saber muy bien por qué, una escena singular de una película que viste de pequeño en el que un niño treméndamente gordo está sentado frente a un gran auditorio que le está observando y se ve obligado a comerse un inmenso pastel de chocolate hasta quedarse inconsciente. Dejo de comer y levanto la vista para mirar la pantalla del televisor. Más fútbol.

Cuando termináis de cenar y recogéis la mesa, aprovechas para apoderarte del mando a distancia y ojear la programación. Si no estás interesado en encontrar pareja, no te gustan los concursos de jóvenes talentos o no sigues la serie de ensalzamiento patriótico que todos siguen, puedes optar por entretenerte con unas amenas e interesantes tertulias deportivas. Bueno, sobre fútbol.

Este fin de semana hay clásico. Algunos de tus amigos ya han quedado para verlo en un bar, pero hay que ir dos horas antes para coger un buen sitio. Ya hace dos semanas que circulan memes y porras por doquier, las conversaciones en tu WhatsApp se decantan por eternas discusiones entre amigos que insultan al rival, enarbolan a los jugadores de sus equipos y discuten sobre la tarjeta (o no) que pitó el árbitro en el anterior partido.

De nuevo, cedes el mando a distancia a tu pareja, pues visto lo visto, mejor será que te pongas a hacer otra cosa y no quedarte dormido con la cena en la boca. Te dispones a escribir algo que tenías en mente desde hace mucho tiempo y no te has animado a hacerlo antes.

Escuchas un murmullo de fondo, como un hilo musical, unas voces que animan, cánticos y rimas a la par y, entonces, un auditorio de gente coreando “¡come! ¡come! ¡come!”. De nuevo esa escena, miras a lado y lado y te ves expuesto frente a toda esa gente que te observa, te mira fijamente y que grita. Justo debajo de tu barbilla, un enorme trozo de pastel de chocolate. Venga, sólo te queda una porción, ya casi terminaste. Te sientes más que empachado, te sientes hinchado, vas a explotar, estás sudando y de tu cara y de tus manos rezuma chocolate, esa gente continúa gritando y sus voces son cada vez más fuertes. No hay otra salida. ¡Come!

¡Pi! De nuevo ese murmullo. El árbitro acaba de pitar una falta en favor del equipo local. Todavía estás sudando y tu pareja te comenta que estás algo pálido. No, estás empachado. Mejor vas a acostarte, ya has comido suficiente pastel por hoy.

A la mañana siguiente despierto sobresaltado, creo que es el mismo pitido, pero no, es otro. ¿Soñé todo o era yo pensando? Ni distingo ni tengo tiempo, son las…

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Machismo

Querido diario

Nos han dicho que ya estaba todo solucionado, que ya hace tiempo que superamos lo de la
 brecha salarial y “todas esas cosas” con las que nos ponemos tan pesadas últimamente.
Mientras pienso en cómo escribir estas palabras, estoy eligiendo modelito para ir a currar.
Me encanta esta camisa con vaqueros, pero dado que entre botón y botón me asoma la
“brecha salarial”, dudo. ¿No te han dicho nunca que ante todo tienes que ir cómoda? Pues
eso, hay que ir al trabajo con mil ojos y bien cubierta, no sea que a algún compi se le ocurra
opinar sobre tu modelito por cómo te luce (absténganse todos aquellos que pensaban
inocentemente en opinar sobre el color o el estampado). Vale, vaqueros y camiseta básica y
va que chuta.

Como iba diciendo, somos muy pesaditas. Fíjate si es así que hace meses, antes de
empezar en mi actual trabajo, me entrevistó una persona con aspecto de ser hombre
honrado, heterosexual, comprometido o con pareja, no sé, de unos treinta y pocos, muy
cordial, que me preguntó si tenía pareja y yo le respondí que no y un “¿y tú?” me salió de
las entrañas como un pedo accidental. Se quedó sorprendido al inicio y luego, mientras se
reía, me dijo que sí, que de hecho estaba casado y que SÓLO me lo preguntaba por el
asunto de los planes familiares que tenía en mente. Me tuve que aguantar otro pedo
accidental para no preguntarle si SÓLO se me permitía tener planes familiares con pareja y
que si su mujer cobraba lo mismo que él o SÓLO un poco menos. En fin.
Antes de optar a esta entrevista, me dediqué a rastrear todas las plataformas y
aplicaciones de búsqueda de empleo y, mal me pese reconocerlo, me presenté a algunas
ofertas que decían bastante de las empresas anunciantes, estilo “se precisa administrativa
para…” o “buscamos promotora/hostess con buena imagen para restaurante…”
-desconocía que en los restaurantes también hubiera carta de personal: me pone una ración de calamares, por favor, y que me la traiga el camarero morenazo ese que se parece a Chino Darín, gracias”-.

Después de cuatro meses trabajando en esta empresa como comercial, he desempeñado,
entre otras, tareas de negociación y acuerdos con otras empresas y clientes. En una de
estas negociaciones, un cliente insinuó que estaba confundiéndome con unos datos
concretos y que, por favor, quería hablar con mi responsable. Amablemente, le dije que mi
responsable no estaba para negociar ni hacer las tareas que yo sabía desempeñar
perfectamente y que si tenía algún problema íbamos a encontrar la solución él y yo.
Después de un magistral mansplaining y varios “guapa” y “guapita” salpicados por aquí y
por allí, acabé perdiendo la paciencia y no sólo tuve que lidiar con su actitud paternal de “te estás poniendo muy nerviosa y eso puede traer consecuencias, tú misma”, sino que
además mis compañeros (y también compañeras) me dijeron, en resumidas cuentas, que
con lo maja y guapa que yo era no me podía poner así con un cliente. Sólo desee ser Pablo
Escobar y soltar a mis sicarios mafiosos por la oficina para ni siquiera ensuciarme las
manos y ponerme a vender droga a mis clientes.

Me pregunto por qué será que andamos tan agresivas algunas. No es por ponerme
intransigente, pero no darse cuenta de que la mala leche de tu jefe no es porque no folla
sino porque le preocupa su departamento y el bienestar de la empresa es, cuanto menos,
ingenuo y estúpido. La directora de mi empresa es una mujer y es lesbiana. La llaman La
Rebollo, por lo de lesbiana y porque está gorda (un juego de palabras de gran audacia,
haciendo alusión a las famosas muñecas Repollo, para quien no lo coja). ¿Cómo llegó esa
mujer al mando? Muy sencillo: con mala leche. Al ser lesbiana se le debió asignar
automáticamente el papel de bollo feroz, bruta, de tía-tío, y a esto se le suma el mal
carácter innato y ¡voilà! ya tenemos a una mujer capacitada para mandar. No la conozco,
no sé cómo trabaja ni si es buena o mala, pero si hubiera sido Kim Kardashian sin dinero,
otro gallo cantaría. Dicho esto, la feminización de la política de la que hablan ciertos
machos de izquierdas (los de derechas no se camuflan tanto) queda totalmente
desacreditada.

Sin ánimo de liarme mucho más explicando evidencias invisibles a los ojos de muchos y
muchas, sólo quisiera aclarar un último punto: si el concepto de familia está cambiando,
¿por qué en un país como el nuestro, el 30% de las mujeres trabaja a tiempo parcial y los
hombres representan sólo un 6%? ¿Será que todavía pasamos más tiempo del necesario
haciendo tareas de casa, de madres o de cuidadoras? No sé, por decir algo, a lo loco. A
este paso, me armo de valor y monto mi propio imperio narco… Pero ciertamente no podría, no estoy capacitada, porque estoy buena y soy maja.

Mel Gibson

Cine desde las entrañas

Podría empezar esgrimiendo que soy mujer, feminista, y contraria a cualquier forma de religión a la cual le encanta el cine de Mel Gibson. ¿Justificándome? Puede… ¿Os he dicho que también me encanta la serie “Girls” de Lena Dunham y “Transparent” de Jill Soloway? Bueno, y “Orange is the New Black”… pfff, ni palabras tengo.

Mel Gibson es un buen actor que, sin ser excepcional, protagonizó desde mi punto de vista el “Hamlet” más rabiosamente auténtico que han visto mis ojos, y sí, mis ojos han visto todos lo que ordenan los cánones. Empezó su carrera en 1979 con “Mad Max”, a la cual le siguieron de forma casi ininterrumpida un éxito tras otro hasta prácticamente mediados del 2000. Películas que no voy a listar aquí por no aburrir, pero como voy de sobrada, recomiendo especialmente para el que lo quiera, además de “Hamlet”, “El Año que Vivimos Peligrosamente”, “Gallipoli”, “El hombre sin rostro” y “El Castor”.

Sé que la imagen que tenéis la mayoría de Gibson es la de un machote ultra católico, ultra derechista, homófobo, antisemita, machista y alcohólico. Y que yo sepa nunca lo ha desmentido, quizá matizado, pero puede que ni eso. Menuda joya ¿eh? Sin embargo, entre sus mejores amigos dentro de la industria, encontramos a gente como Jodie Foster, que le dirigió en “El Castor”, Whoopi Goldberg o Robert Downey Jr. Bastante lejos los tres de las ideas ultras de Gibson. ¿Justificando de nuevo? Pues no era mi intención, pero parece ser que es lo que toca cuando admiras el cine de este auténtico artesano del séptimo arte.

No conozco a Mel Gibson, no tengo el placer o el disgusto de hacerlo, por lo que opinar de él como persona me parece tan excesivo como absurdo. ¿Que si me parece bien que se emborrachara, se pusiera a insultar a los judíos de todo el mundo, hacer uso de la palabra “nigger”, o amenazar a la que era su mujer en ese momento? Pues no, ¿hace falta que lo diga? Parece que sí… pues no, no me parece bien. ¿Es acaso esto un problema para disfrutar del cine Mel Gibson y decir que me parece un director con una visión única en el panorama, bastante insulso y conformista, del cine actual? Vale, antes que todos los intelectuales del cine cojan número para darme digitalmente de hostias, una pregunta: ¿Acaso cuando vais a ver una película de Woody Allen pensáis en el escándalo que protagonizó con la hija adoptiva de su pareja? Vale, vale, excesivo y tendencioso. ¿Y cuándo estrena película Roman Polanski?

“Braveheart” fue un éxito tan incontestable como inesperado. Segunda película como director, Oscar en esta labor, y a la Mejor Película. Guau… Todo eran aplausos para este valiente director que volvió a rodar batallas “como antes”, y devolvió la épica al cine. Eso sí, envuelta en sangre y violencia bien mezclado con la dosis perfecta de injusticia y rebeldía. Rodada de una manera vigorosa y apabullante, su bravuconería y orgullo desmedido es contagioso hasta límites insospechados. Es imposible no verla y no querer ser William Wallace. En ese momento no sé el resto, pero yo supe que estaba ante un tipo que no buscaba contarme una historia, quería que la viviera.

Y llegó la crucifixión, de Gibson por supuesto. Nunca entenderé la afrenta tan enorme que supuso “La Pasión de Cristo” para, en realidad no lo sé, ¿la industria? ¿el famoso lobby judío de Hollywood? ¿La intelectualidad…? La película desde el punto de vista puramente artístico, es un monumento al arte de hacer cine. La dirección artística, vestuario, fotografía, montaje, efectos especiales, música, interpretaciones… ¡Hablada en los idiomas originales del contexto histórico, arameo para los judíos y latín para los romanos! Sólo ya por eso merece mi más absoluto respeto. La historia, la que Mel Gibson quiere contar, como la quiere contar, ajustándose y saltándose la ortodoxia cuando quiere ¿Y? Si defendemos a Martin Scorsese con “La última tentación de Cristo” basándonos en la libertad de expresión, ¿por qué ofende tanto la visión de Mel Gibson? ¿Será por ser brutal y sin concesiones de cara a la galería? Tachada de cine gore e incluso en algunas reseñas, de terror, desde luego no es apta para estómagos y mentes delicadas. Aunque si me pongo a pensar en el siglo I y en ver una crucifixión, no sé, seguro que agradable no era. Una obra de ARTE.

Ganó tanto, pero tanto dinero con “La Pasión de Cristo” que se puso con el más difícil todavía. “Apocalypto”, el ocaso de la cultura maya y cómo ocurrió, por supuesto, hablada en el idioma maya. Los palos acusándole de racista y dar una visión a la par de brutal y salvaje de los indígenas, empezaron antes del rodaje y siguieron incluso antes de ver un minuto de metraje de película. El caso es que a poco que leas un poco sobre historia, o ni eso, más fácil, con que te veas un documental del National Geographic, te cuentan algo bastante parecido, por no decir exacto, a lo que Gibson muestra en la película. Especialmente en el periodo que representa. ¿La película? Un festín para los sentidos, acción pura y salvaje en un entorno espectacular que te transporta a un periodo increíble a la vez que terrorífico. Su final, a la altura del de “Seven”… Casi diez años después se empieza a reconocer como una pieza única en el cine, y lo es.

Me gusta mucho “La La Land”, eh, lo digo en serio, más que nada porque soy muy fan de los musicales. Ya, bueno, todos tenemos alguna tara… y no seré quien le quite el mérito de ser el auténtico fenómeno de 2017, sin duda en este mundo que nos toca necesitamos bailar por las estrellas. Pero ¿Habéis visto “Hasta el último hombre”? No es fácil, ni bonita, la sangre te salpica cuando la ves, llega un punto en que no sabes si es realista o sádica, y si es necesaria tanta violencia para contar la historia del primer objetor de conciencia del ejército norteamericano. Luego me acuerdo que su director es Mel Gibson, y no espero menos de él que exactamente lo que hace en la película. Arrastrarme por el barro y sentir la sangre salpicándome como lo sufre el soldado Desmond Doss, y eso no lo consigue cualquiera, eso, es cine hecho desde las entrañas.